Centro Público

Salvator Mundi

 

El 15 de noviembre de 2017 el “Salvator Mundi” de Leonardo Da Vinci fue vendido en el lote 9b de la subasta de Posguerra y Arte Contemporáneo de la noche de Christie’s en Nueva York. Una imagen que en este último mes se ha vuelto una de las más populares del año, pero que antes de alcanzar el precio más alto en la venta de arte, tanto en puja como venta directa, con 450,312,500 millones de dólares -después del “premium’s buyer”- apenas era atribuida por los especialistas en el 2007 y fue expuesta en la muestra más grande del artista en la National Gallery en el 2010.

En efecto, lo primero que salta la atención es que Leonardo Da Vinci no es contemporáneo, pero la realidad es que la estrategia de mercadotecnia de Christie’s era llevarlo a nuevos coleccionistas, deseosos de mostrar su poder económico y su poder cultural. Después del desastre de la venta de Sotheby’s a Yves Bouvier por 80 millones en mayo de 2013 y su posterior venta a Rybolovlev por 127.5 millones de dólares, el último Da Vinci tenía un precio estimado de salida de 100 millones de dólares, cifra que alcanzó casi al comienzo de la subasta a las 19:30 hrs. Aunque en el catálogo de la exposición aparecía “bajo pedido”, lo más seguro es que aquellos que se comunicaban a la casa de subastas fuesen dirigidos a Francois de Poortere, Jefe de Pintura de Grandes Maestros, una de la última pieza con un estimado tan alto fue “El Grito” Eduard Munch en el 2012.

Si consideramos que solamente hay menos de 20 piezas atribuidas, y que era la última pintura en manos de particulares, el historial de ventas es poco. La Mona Lisa por fines de seguro está valorada aproximadamente en más de 700 millones de dólares. Pero si consideramos el nombre del autor ¿quién no querría ser el dueño de una pintura del artista más reconocido?

“Salvator Mundi” fue promocionado en prácticamente todas las publicaciones de arte, de negocios, de vida en el mundo. Su imagen fue comparada como la versión masculina de la Mona Lisa, incluso se ha llegado a pensar que podría ser un propio autorretrato de Leonardo. En el catálogo de Christie’s, para la descripción de la pieza le dedica varias páginas incluyendo un ensayo sobre la pieza, y fotografías de otras obras, tal es el caso del panel “El jardín de las maravillas” de El Bosco, que cuando se cierra tiene pintada una esfera que habla sobre el mundo y que refleja la misma naturaleza de la gran esfera que sostiene Cristo. La pieza estuvo de gira por Hong Kong, donde el crítico  Alastair Sooke en una plática comparó este descubrimiento como el de un planeta totalmente nuevo; después en San Francisco y Londres, a pesar de que la pieza no se encuentra en óptimas condiciones, en todos los lugares donde fue exhibida se encontraron filas de personas, ya que, cabía la posibilidad de que si fuera adquirida por un colección privada no volviera expuesta de nuevo en muchos años. Verla en estas ciudad era una oportunidad de vida, y Christie’s lo aprovechó para realizar un video donde los protagonistas fueron los visitantes y se capturó sus miradas maravilladas ante esta obra de arte.

De acuerdo a la teoría de que los grandes coleccionistas no gastan más del 1% de su fortuna personal en obras de arte, solo habría 10 coleccionistas con más de 8 miles de millones, de acuerdo al texto de Don Thompson sobre la subasta de Munch, esto cabría también para la de Leonardo. Otra teoría era que hay coleccionistas que comprarían arte como inversión y para esto gastarían cerca de un 7%, eso quiere decir más 1,200 personas a nivel internacional.  Como clientes potenciales se veían a la Familia Real de Qatar, quienes en menos de 10 años han gastado más de mil millones de dólares en arte, desde “Los Jugadores de cartas” de Paul Cézanne por 250 millones de dólares, y por mucho tiempo clasificada como la pieza vendida más cara, hasta Rothko, Warhol, huevos de Fabergé, para sus museos locales. En competencia directa con la política cultural de sus vecinos de los Emiratos Árabes Unidos, quienes sólo unos días antes (8 de noviembre de 2017) y después de 10 años de haber firmado un acuerdo por 525 millones de dólares, abrieron el “Louvre” de Abu Dhabi, creación de Jean Nouvel y que tienen acuerdos con otras instituciones como el Guggenheim, British Museum, NYU, la Sorbonne e incluso un parque temático de la Ferrari, para establecerse como referencia cultural local, regional e internacionalmente. Ambas naciones buscan una visión cultural para el 2030, presentarse como referentes civilizados de una de las regiones más conflictivas del mundo.

La tarde del 15 de noviembre de 2017 a las 18:29, “Salvatore Mundi” salió en el lote 9b, con un ambiente espectante. Con más de 1000 asistentes, entre los que se incluyeron la cantante Patti Smith, el empresario Michael Ovitz o el art-dealer Vito Schnabel, Jussi Pylkkänen comenzó en 75 millones de dólares. A los 200 millones la audiencia empezó a aplaudir cuando se pidió que guardaran silencio, en 19 minutos se convertiría en la pieza más cara de la historia, después de una disputa entre dos clientes representados por los especialistas Alex Rotter y Loic Gouzer, y de un cierre vertiginoso con un salto de 370 a 400 millones.

El nombre del coleccionista se mantuvo en secreto los días subsecuentes de la subasta, se seguía pensando que había sido adquirido por un coleccionista privado. El día 6 de diciembre el New York Times publicó una investigación donde David D. Kirkpatrick revelaba su nombre, el príncipe saudí:  Bader bin Abdullah bin Mohammed bin Farhan al-Saud. Su compra toma por sorpresa al mercado del arte, ya que es su primera adquisición pero también alertando sobre la naturaleza de su adquisición. Ese mismo miércoles el Louvre Abu Dhabi comunicaba en su cuenta de twitter en inglés, francés y árabe que el “Salvator Mundi” estaría en sus instalaciones, lo que su compra se ubica como un “gesto de buena voluntad” entre Arabia Saudita y los Emiratos Árabes Unidos. Esta transacción también resulta escandalosa después de una purga en contra la corrupción, la política de austeridad de la nación y el conservadurismo que prohíbe la representación humana y, peor siendo que Cristo sólo es un profeta. También, su pago de la pieza ha sido motivo de polémica, ya que para la participación en la subasta se requería un depósito de 100 millones de dólares y un trabajo de verificar la procedencia de su fortuna. La explicación más verosímil es en relación a su cercanía con el príncipe heredero de Arabia Saudí: Mohammad bin Salmán bin Abdulaziz Al Saud y, que el príncipe Bader fuera solamente un intermediario, con su aliado en la región el jeque Mohamed Bin Zayed de los Emiratos Árabes Unidos, así fuera un refuerzo de que también comparten la misma visión para el 2030, pero tratando de esquivar las posibles críticas del ala más conservadora.

Al final el total de la subasta casi se llega a los 800 millones de dólares, convirtiéndose en la mejor de la historia. Cuestiones como el nombre del artista, las pocas piezas terminadas que hay, y toda la historia de su encuentro funcionaron como puntos a su favor para una venta tan espectacular y un ejemplo de mercadotecnia para el futuro. Sin embargo, a partir de la columna del crítico neoyorquino Jerry Saltz, un día antes, escribía sus dudas referentes a la pintura, desde la postura, su condición, su temática y funcionó como hilo de pólvora para todos aquellos que piensan que los precios en subasta son una “obscenidad”. Uno de los detractores de este sistema fue el exdirector del Museo Metropolitano de Nueva York, Thomas Campbell, al publicar una imagen en su Instagram del “Salvator Mundi” antes de su restauración y preguntando si realmente valía lo que se acaba de alcanzar en la subasta. Pero al ver el origen del comprador y su destino regresamos a la pregunta ¿Cuánto valen las relaciones comerciales entre dos países? ¿Cuál es el costo que están dispuestos a pagar para ser considerados como una opción turística a nivel mundial? ¿Qué beneficios va a traer al recién inaugurado museo? Si pensamos en estas preguntas los valores de las piezas cambian, ya que no solamente se está negociando el mercado del arte sino una política cultural para una región.

Ximena Apisdorf Soto

Ximena Apisdorf Soto

Maestra en Arte, con especialidad en Art Business por la Universidad de Manchester y egresada de la Licenciatura en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Se enfoca en la creación de mejores relaciones para el intercambio de instituciones nacionales e internacionales. Actualmente, trabaja para el Barroco Museo Internacional, el cual será inaugurado en 2016 en Puebla y como consultora de relaciones internacionales con las asociaciones como la Asociación de Directores de Museos de Arte (AAMD por sus siglas en inglés) y Bizot para el Museo del Palacio de Bellas Artes. En 2014 fue coordinadora operativa de la 2da. Bienal de Arte Veracruz, para la creación y difusión de artistas del estado. Desde el 2011 se ha especializado en arte contemporáneo latinoamericano y su difusión en las plataformas digitales como fundadora y editora del blog Tildee.info. Escribe para las publicaciones especializadas: Flash Art, Revista Código, Artishock, entre otras. Ha trabajado en instituciones públicas y privadas, enfocada en la coordinación estratégica, operativa y de comunicación; tanto en México como en Estados Unidos; entre los que destacan: el Museo Nacional de Arte, el Museo Tamayo, Proyectos Monclova, I-20, Casey Kaplan Gallery, Prospect 2.5. Ha impartido clases para la Suprema Corte de la Nación (2007) y el Instituto Realia (2014). En el 2008 curó y coordinó la primera exposición de arte contemporáneo en el Museo Diego Rivera Anahuacalli: “Elefante Negro: Arte Contemporáneo”, en la cual participaron 21 artistas de 10 nacionalidades diferentes.

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