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Resplandores, destellos y centellas: Kounellis en Aguascalientes

Cada vez faltan menos días para que comience Zona Maco 2016 (3-7 de febrero) y las personas que trabajamos en arte, especialmente contemporáneo, nos preparamos ya sea para exhibir o para asistir a los múltiples eventos que se organizan alrededor de las actividades relacionadas con la feria y cuya expectación creció después que The New York Times nombrara a la ciudad de México “la ciudad que tiene todo”, como el primer destino turístico a visitar este año, y comenzamos a leer los recorridos recomendados en diferentes publicaciones como el de Artsy: Mexico City’s Top Galleries, Museums, and Art-World Haunts.

Con días de anticipación comienzan a tener lugar inauguraciones en las galerías de la ciudad de México, y en los últimos años, algunas fuera de ella, como el caso de Cuernavaca, con actividades en La Tallera, en Guadalajara; en el Museo de Zapopán, en Jalisco, y en esta ocasión hasta en Monterrey, en el MARCO, con la exposición de Christian Boltanski (Francia, 1944) Animitas; además en Aguascalientes con la inauguración el 29 de enero del Museo Espacio, dentro del centro MECA (Macroespacio para la Cultura y las Artes) con la exposición “Relámpagos sobre México”, realizada especialmente para este espacio por el artista de origen griego Jannis Kounellis (1936), cuya obra se relaciona directamente con el movimiento del arte povera, término introducido en 1967 por el crítico Germano Celant (Italia, 1940), relacionado con el uso de materiales que iban más allá de los tradicionales y que se desarrolló en las ciudades italianas de Turín, Milán, Génova y Roma.

Las piezas de Kounellis se caracterizan por la creación de grandes instalaciones, casi teatrales, a partir de objetos de desecho de las sociedades industrializadas; como piedras, algodón, lana, carbón, bases de camas, puertas, entre otros; aspecto interesante si tomamos en cuenta que el Museo Espacio era una antigua estación de trenes. Durante la conferencia de prensa de la presentación este espacio, le preguntaron ¿qué haría con los armarios que está juntando?, a lo que respondió “Todo el material que estoy usando lo recuperé de este recinto porque representa toda una época. No se puede olvidar esta época gloriosa, que era la de antes de la reconstrucción del museo”.

Una de sus piezas más representativas es el performance “Da inventare sul posto” (1972) compuesto de tres ingredientes: una pintura, una bailarina y violinista, que se presentó en Documenta; la pintura retoma una partitura de Igor Stravinski (1882-1971), el violinista repite la música de la pintura y la bailarina improvisa cada vez que vuelve a comenzar la música, esta pieza fue parte de su primera exposición individual en los Estados Unidos.

Su historia es una historia de la postguerra, de una Atenas donde podía ver al fondo el Partenón, y aunque solamente habla italiano, siempre ha tenido la curiosidad de viajar y ver otras culturas. Su familia era de marineros, por lo que tiene interés en rastrear la historia de los objetos, su origen. La inspiración de convertirse en artista no vino de un momento específico, sino de una iluminación, de una imagen que se convirtió en un lenguaje de las experiencias que durante los sesenta era una combinación entre europeos y americanos.

Kounellis se apropió de más de 6000 metros cuadrados de espacio expositivo, los cuales eran los talleres de servicios de los ferrocarriles, para hablar de la búsqueda constante de la justicia, la libertad y la belleza desde un enfoque en donde el hombre es el centro de su producción artística. Su proceso artístico se ha convertido casi en un proceso arqueológico al retomar partes del mobiliario y objetos encontrados en este espacio, como máquinas del tiempo que en sus superficies muestran el paso de los años y cuya reutilización reafirma su carga histórica, como una especie de resurrección de los ferrocarrileros.

El nombre de la muestra es un guiño al trabajo del cineasta Sergei Eisenstein (1898-1948), de quien actualmente podemos ver algunas de sus obras fílmicas y dibujos eróticos en la muestra Vanguardia Rusa: El Vértigo Rusa en el Museo del Palacio de Bellas Artes y una interpretación de su visita a Guanajuato por Peter Greenaway (Reino Unido, 1942) en Eisenstein en Guanajuato (2015) y que será parte de una trilogía; como una alusión a luz y al instante lumínico y de fuerza. De hecho, la invitación a la muestra es una fotografía de Kounellis en Templo de Quetzalcóatl casi hablando con la representación del dios teotihuacano.

Gracias a esta oportunidad de tener a un artista tan importante para el arte se está organizando un Simposio Internacional sobre Artes Visuales “El drama de la forma” (30-31 de enero); obviamente las personas que somos del extinto Distrito Federal, ahora Ciudad de México extrañamos el SITAC organizado por el Patronato de Arte Contemporáneo que ahora en lugar de ser tres días de intensa discusión y análisis se ha convertido en un programa de conferencias que tendrán lugar de abril a septiembre; con participantes de talla internacional, como los curadores Norman Rosenthal (Inglaterra, 1944), el historiador José Jiménez (España, 1951), Thomas E. Crow (Estados Unidos, 1948), el teórico Nicolas Bourriaud (Francia, 1965), cuyo término de estética relacional tuvo un gran auge en la concepción del arte contemporáneo de los años noventa y principios del siglo XXI al proponer piezas en las cuales los espectadoras interactuarán los unos con los otros a partir de actividades como comer, compartir el espacio o jugar, ahorita en el Museo Jumex hay un ejemplo con la pieza de Ririkrit Tiravabija (1961): UFO (Universal Fantastic Occupation) que se ubica en la plaza enfrente del museo donde hay siete mesas de ping pong intervenidas con mensajes relacionados con la industria automotriz pero que permiten a los transeúntes de la esta zona de oficinas entablar un diálogo por medio del partido; el director de la Fundación Beyeler y antiguo director de Art Basel Sam Keller (Suiza, 1966), entre otros.

La exposición y el simposio fueron curados por el crítico de arte Bruno Corá y con la invaluable ayuda del galerista Hilario Galguera, quien ya ha trabajado antes con las instituciones mexicanas para traer artistas de primer nivel, tanto a su galería como a museos: Damien Hirst (Reino Unido, 1965) hace diez años con su exhibición “La muerte de Dios”; uno de mis proyectos preferidos: Daniel Buren (1938) en el Hospicio Cabañas, aquí les dejo mi selección de fotos que hicieron los visitantes durante la muestra, ¡está increíble!; James HD Brown (Estados Unidos, 1951), tanto en la Fundación de Artistas en Mérida, la cual todavía se puede visitar  y en el Museo Anahuacalli, aquí les dejo una entrevista que le hice en aquel entonces, entre muchos otros proyectos.

Aunque todavía no he tenido oportunidad de visitar las muestras que hay fuera de la Ciudad de México, vale mucho la pena tratar de visitarlas, ya que al ser exposiciones realizadas especialmente para los espacios mencionados, su experiencia es necesaria para poder comprender muchas de sus ideas y ampliar nuestra idea del arte.

Ximena Apisdorf Soto

Ximena Apisdorf Soto

Maestra en Arte, con especialidad en Art Business por la Universidad de Manchester y egresada de la Licenciatura en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Se enfoca en la creación de mejores relaciones para el intercambio de instituciones nacionales e internacionales. Actualmente, trabaja para el Barroco Museo Internacional, el cual será inaugurado en 2016 en Puebla y como consultora de relaciones internacionales con las asociaciones como la Asociación de Directores de Museos de Arte (AAMD por sus siglas en inglés) y Bizot para el Museo del Palacio de Bellas Artes. En 2014 fue coordinadora operativa de la 2da. Bienal de Arte Veracruz, para la creación y difusión de artistas del estado. Desde el 2011 se ha especializado en arte contemporáneo latinoamericano y su difusión en las plataformas digitales como fundadora y editora del blog Tildee.info. Escribe para las publicaciones especializadas: Flash Art, Revista Código, Artishock, entre otras. Ha trabajado en instituciones públicas y privadas, enfocada en la coordinación estratégica, operativa y de comunicación; tanto en México como en Estados Unidos; entre los que destacan: el Museo Nacional de Arte, el Museo Tamayo, Proyectos Monclova, I-20, Casey Kaplan Gallery, Prospect 2.5. Ha impartido clases para la Suprema Corte de la Nación (2007) y el Instituto Realia (2014). En el 2008 curó y coordinó la primera exposición de arte contemporáneo en el Museo Diego Rivera Anahuacalli: “Elefante Negro: Arte Contemporáneo”, en la cual participaron 21 artistas de 10 nacionalidades diferentes.

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