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Pintura en movimiento: Barbara Kasten en Zona Maco 2018

La idea de cambiar el exterior en lugar del punto de vista de la cámara es lo que más me llamó la atención al leer sobre el trabajo que presentó la Galería Bortolami en Zona Maco 2018. En un booth con una sola gran pared, presentó una micro retrospectiva de la artista Barbara Kasten, quién por más de 40 años se ha enfocado en crear una serie de naturalezas muertas compuestas por figuras geométricas fabricadas en acrílicos, metales, espejos y plexiglass para lograr imágenes totalmente contemporáneas, llamativas y lúdicas que robaron la atención en un espacio con más de 170 propuestas diferentes.

En medio de la feria, las fotografías de colores,  dejaban ver varias capas de veladuras de transparencias, en las que gracias a la presentación de Art21 sobre Chicago, podíamos ver el aspecto escultórico, incluso performático de la realización de algunas de las tomas. Cada imagen es un momento específico de la creación, en su mayoría realizados en su estudio y, ocasionalmente en espacios arquitectónicos, perpetuando una posición muy específica de cada uno de los elementos. Al no mover la cámara de posición, lo que le permite es jugar con los objetos con los cuenta, quitar, adherir otros, crear aquella composición que valga la pena para un click. En donde la fotografía solamente es un medio de experimentación.

Los aspectos físicos de la elección de los materiales es totalmente transparente, pero al ser iluminada, las sombras que se proyectan generan diferentes juegos dentro de la composición total. Cada objeto tiene una nota de fragilidad y su búsqueda de que se sostengan por sí mismos, por lo que hay una tensión en cada instante, al estar tan cercanos los unos con los otros existe esa posibilidad del colapso, que ha llegado a suceder, y que vuelve crear la reconfiguración de los elementos.

Lo más interesante de sus fotografías no es el trabajo detrás de la cámara, sino todo lo que ocurre enfrente de ella, la cámara se vuelve un testigo inmóvil del movimiento, un retrato de las sombras y los juegos de luces. Captura esa sensación que tenemos al ver piezas del op-art o de geometría abstracta del trabajo escultórico-lumínico de artistas como Carlos Cruz- Diez, Julio Le Parc o Daniel Buren, y la necesidad que tenemos de poder captar esos instantes con la ayuda de filtros y plasmarlas en nuestras redes sociales, como una especie de enamoramiento, pero a diferencia de esos pequeños destellos de nuestra vista, en la obra Kasten adquieren una magnificencia extraordinaria al ser construidas, buscadas, y expuestas en un formato impreso. Así, no importa cuanto tiempo tengan sus imágenes, todas conservan una vitalidad y una frescura que se sobreponen a los años, creando un momento exclusivo más allá de las tendencias.

Su carrera es una carrera de tenacidad, de crear lo que su ADN le reclama, después de más de 40 años de creación la esta llevando finalmente a ser parte de una de las galerías más comprometidas; con Stefania Bortolami -quién después de haber trabajado en los años noventa con Larry Gagosian- el año pasado inauguró su espacio en Tribeca con una búsqueda de “crear fantásticas exhibiciones, experiencias culturales y a lo mejor crear algo de capital cultural”.  Así, como en las salas de los museos en sus propios términos, como la exposición Stages en el Institute of Contemporary Art en Filadelfia.

Es la necesidad de buscar otras formas de interpretación de lo que sucede en la realidad que se está traduciendo en la creación de sus video-instalaciones que me recuerdan a las creaciones del artista islandés Egill Saebjörson, en el que juegan con las esquinas como espacios de intersección, en especial con la instalación de Naturaleza Muerta en gris y que suman elementos escultóricos en las composiciones.

La movilidad de la pintura, se llevo a su extremo con una colaboración que realizó con una compañía de danza cuando diseñó las escenografías y el vestuario de los bailarines, en donde los elementos se podían mover en el espacio y se volvían parte de las coreografías. En su trabajo trata de encontrar lo único de la luz y a partir del proyector y la ambientación se suman elementos que le dan un carácter propio como la caída de estas pequeñas partículas de polvo, que no vemos sino hasta que la luz nos lo permite.

La influencia de una ciudad como Chicago es en la verticalidad de sus imágenes, en el uso de los elementos escultóricos como reflejantes de la luz, tal y como el vidrio espejo de la ciudad  que demuestran los vívidos colores. Así, el espacio en medio de la feria se volvió un festival de combinaciones cromáticas y abstractas que robaban las miradas, que de primera impresión daban la idea de pinturas y hasta que te acercabas te dabas cuenta que son fotografías, casi únicas, tal y como su mirada.

Ximena Apisdorf Soto

Ximena Apisdorf Soto

Maestra en Arte, con especialidad en Art Business por la Universidad de Manchester y egresada de la Licenciatura en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Se enfoca en la creación de mejores relaciones para el intercambio de instituciones nacionales e internacionales. Actualmente, trabaja para el Barroco Museo Internacional, el cual será inaugurado en 2016 en Puebla y como consultora de relaciones internacionales con las asociaciones como la Asociación de Directores de Museos de Arte (AAMD por sus siglas en inglés) y Bizot para el Museo del Palacio de Bellas Artes. En 2014 fue coordinadora operativa de la 2da. Bienal de Arte Veracruz, para la creación y difusión de artistas del estado. Desde el 2011 se ha especializado en arte contemporáneo latinoamericano y su difusión en las plataformas digitales como fundadora y editora del blog Tildee.info. Escribe para las publicaciones especializadas: Flash Art, Revista Código, Artishock, entre otras. Ha trabajado en instituciones públicas y privadas, enfocada en la coordinación estratégica, operativa y de comunicación; tanto en México como en Estados Unidos; entre los que destacan: el Museo Nacional de Arte, el Museo Tamayo, Proyectos Monclova, I-20, Casey Kaplan Gallery, Prospect 2.5. Ha impartido clases para la Suprema Corte de la Nación (2007) y el Instituto Realia (2014). En el 2008 curó y coordinó la primera exposición de arte contemporáneo en el Museo Diego Rivera Anahuacalli: “Elefante Negro: Arte Contemporáneo”, en la cual participaron 21 artistas de 10 nacionalidades diferentes.

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