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¿En la búsqueda de la gentileza? Ape… The Carters en el Louvre.

La mirada de la Mona Lisa ha generado ríos y ríos de palabras intentado descifrar que significará, es una de las imágenes más reconocidas a nivel mundial, filas de turistas se reúnen alrededor de ella, para tenerla aunque sea digitalmente en sus dispositivos. Se han grabado miles de minutos en el Salón de los Estados Venecianos del Louvre, el museo con más de 8 millones de visitantes en el 2017.

A la vuelta de la sala 711, donde se expone La Gioconda, se encuentra la sala 700, con pintura francesa de 1780 a 1850, justo entre las grandes piezas de Eugéne Delacroix, Jacques-Louis David y Théodore Géricault se encuentra otra mujer con mirada enigmática, de un tamaño modesto -considerando las otras grandes piezas que hay a su alrededor- vemos el Retrato de una mujer negra(1800) de la pintora Marie-Guillemine Benoist (1768-1826), una reivindicación de la abolición a la esclavitud, pero también de la mujer. Sentada en tres cuartos la mujer medio vestida nos ve directamente a los ojos antes de que terminen los 6 minutos del nuevo video del dúo The Carters, conformado por la pareja de Beyoncé y Jay-Z, que en 10 días ha juntado pasa de las 45 millones de vistas en Youtube.

Si ya en el 2014 la pareja había causado conmoción al visitar el Museo Louvre mientras estaba cerrado al público, para una visita con su hija y una serie de fotos, en esta ocasión el revuelo ha sido mayúsculo: una pareja dedicada a la música popular se ha atrevido a filmar en el baluarte máximo de los estándares de la cultura occidental. En un museo donde no hay representación de las minorías y cuenta el triunfo de la Ilustración, de la Revolución Francesa, de la magnificencia de los múltiples saqueos de los pueblos conquistados por el gran Emperador. Es, en este periodo, donde la pareja se muestra en su mayor esplendor, tal y como el Retrato realizado por Benoist, que adquirió el gobierno francés en el 1818.

El video es un recorrido de cerca de 20 piezas, casi todas relacionadas con el período napoleónico, ya sea por su creación o por el tiempo en el que fueron encontradas. A más de 200 años, The Carters se enfocan en la narrativa de la visibilización de las minorías, desde las raciales a las de género. Son totalmente conscientes que cada toma, cada prenda, cada movimiento es capaz de comunicar muchísimo más fuerte y potente que cualquier discurso que pudieran dar, esta es su forma de comunicación.

Desde el principio remarcan el papel de la pareja en la sociedad, con una toma de joven hincado en la obscuridad, haciendo referencia a las gárgolas de la Catedral de Notre-Dame, sentados en el silencio siendo testigos de la historia de sus calles, ese mismo silencio es el que buscan evidenciar con coreografías en las escaleras de la Victoria de Samotracia o en frente de una de las piezas más icónicas de la colección: La coronación de Napoleón (1805-08) de Jacques-Louis David, con una serie de bailarinas vestidas al tono de su piel con diferencias cromáticas, en una crítica directa a las cuestiones raciales. Beyonce, en medio de ellas, vestida con el famoso patrón de Burberry, señala que la diferencia de piel ya no nada más es racial sino también económica, reforzando la letra de la canción comparan sus ganancias económicas con el respeto que tienen dentro de la sociedad.

En este contexto, el Retrato nos hace pensar en sus significados, de cuando fue pintado y el actual, por lo que la selección de las piezas van reforzando un discurso de empoderamiento, con tomas de la pareja cantando enfrente de la Mona Lisa, el detalle o la vista general del Retrato de Madame Récamier (1800) de David -que se ubica justo enfrente a la Coronación- y en el que, en la toma hay dos mujeres sentadas en el piso conectadas por medio de sus túnicas, la misma túnica que usa la mujer del retrato de Benoist o la referencia que hace Beyoncé vestida de Versace en otra toma. Otro de los cuadros que resaltan es Las Sombras de Francesca Rimini y Paolo Malatesta ante la mirada de Virgilio y Dante (1885) de Ary Scheffer, el amor más allá del amor relatado en el Canto V de la Divina Comedia; el amor adúltero que sobrevive  más allá de las llamas del Infierno y la referencia de una pareja en un ambiente doméstico; Virgilio y Dante son nuevamente testigos silenciosos del sentimiento de Francesca sosteniendo el cuerpo herido de Paolo y de ahí la referencia de La Piedad (1540) de Rosso Fiorentino.

Retrato de una mujer negra representa a un personaje al que se le ha negado la individualidad y la agencia, más allá de la grandiosidad de los personajes que valía la pena que pasarán a la historia, es una anomalía a lo que pintaban el círculo de artistas ilustradas de Benoist, mujeres que se enfocaban en pintar retratos, naturalezas muertas, miniaturas y que con el tiempo se dedicarían a cuidar de la casa, sin embargo, también fueron mujeres capaces de encontrar un espacio propio dentro de la Real Academia de Pintura y Escultura. Aunque Benoist, se había enfocado en representaciones sentimentales y moralizantes de la vida familiar, en especial de las mujeres y de los niños, en un momento en que el arte era dominado por los hombres, lo que logra es invertir el papel del retratado y el retratante -como se ha dicho de la Mona Lisa y Leonardo- en este caso la mujer negra en realidad es la pintora, al presentarla como una figura exótica, casi desnuda, pero en la misma postura de cualquiera otra de sus retratadas, la convierte en una alegoría su propia condición frente a una sociedad patriarcal, es la misma postura respecto del “estado de las cosas” al que retan Beyoncé y Jay-Z. Ocupan las tomas como presentaciones de sus propias decisiones. Si, en efecto, están agradecidos del lugar que han alcanzado pero refuerzan el trabajo que los ha llevado ahí y como en un segundo la multitud devota se puede convertir en la muchedumbre, la misma del Reinado del Terror que vivieron estas pintoras y vieron caer varias cabezas.

Más allá de un “simple” retrato, es un cuadro capaz de “enseñar, conducir, inculcar la virtud y capturar su mundo”, en efecto, el Retrato de una Mujer Negra fue influenciado por la escuela de David; también por el texto de Olympe de Gouges: “Declaración de los derechos de la mujer y de las ciudadanas” (1791), dedicado a María Antonieta, en el que reclamaba todas aquellas ideas de la Constitución Francesa firmada por Luis XVI para las mujeres, influido por el “contrato social” de Rousseau. En ese momento el filósofo Pierre Guyomar, vinculó la discriminación sexual y racial en “Partisan de l’Égalité politique entre les individus” (1793): “Presento que la mitad de las personas en una sociedad no tienen derecho a privar a esa otra mitad de su derecho inalienable a expresar sus propios deseos. Librámonos de inmediato del prejuicio del sexo tal como lo hicimos con el prejuicio contra el color del negro.” Entre 1794 y 1802, los hombres negros y las mujeres negras se convirtieron en pretextos visuales para la reflexión sobre los ideales ilustrados de liberté, égalité, fraternité.

La similitud entre ambas mujeres es innegable, la Mona Lisa y el Retrato de una Mujer Negra: comparten la posición sentada en tres cuartos, la expresión facial con una mirada misteriosa y sus manos juntas alrededor de su abdomen. Ambas piezas basan sus ideas de lo femenino como una cuestión vulnerable, tal como la Venus del Milo. Ambos artistas, Leonardo y Benoist, negocian entre lo público y lo privado, entre lo femenino y lo masculino, entre lo familiar y lo anónimo, entre lo erótico y lo intelectual, entre lo político y lo social, entre lo colonial y lo imperial. En un momento que las mujeres exigían ser partícipes de la acción, en cuestiones educación, economía y derechos políticos, Los Carters lo reafirman con tomas de jóvenes hincados, tal y como los jugadores de la NFL ante el himno americano y la negativa de Jay-Z de presentarse en el medio tiempo del Super Bowl de este año.

En efecto, “No podemos creer que hayan hecho esto” y, sin embargo, la imagen más poderosa es de una mujer peinando a un joven enfrente de la Mona Lisa, donde ella deja de ser lo observado para ser la observante, otra vez una testigo de la historia a través de sus pasillos.

 

Ximena Apisdorf Soto

Ximena Apisdorf Soto

Maestra en Arte, con especialidad en Art Business por la Universidad de Manchester y egresada de la Licenciatura en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Se enfoca en la creación de mejores relaciones para el intercambio de instituciones nacionales e internacionales. Actualmente, trabaja para el Barroco Museo Internacional, el cual será inaugurado en 2016 en Puebla y como consultora de relaciones internacionales con las asociaciones como la Asociación de Directores de Museos de Arte (AAMD por sus siglas en inglés) y Bizot para el Museo del Palacio de Bellas Artes. En 2014 fue coordinadora operativa de la 2da. Bienal de Arte Veracruz, para la creación y difusión de artistas del estado. Desde el 2011 se ha especializado en arte contemporáneo latinoamericano y su difusión en las plataformas digitales como fundadora y editora del blog Tildee.info. Escribe para las publicaciones especializadas: Flash Art, Revista Código, Artishock, entre otras. Ha trabajado en instituciones públicas y privadas, enfocada en la coordinación estratégica, operativa y de comunicación; tanto en México como en Estados Unidos; entre los que destacan: el Museo Nacional de Arte, el Museo Tamayo, Proyectos Monclova, I-20, Casey Kaplan Gallery, Prospect 2.5. Ha impartido clases para la Suprema Corte de la Nación (2007) y el Instituto Realia (2014). En el 2008 curó y coordinó la primera exposición de arte contemporáneo en el Museo Diego Rivera Anahuacalli: “Elefante Negro: Arte Contemporáneo”, en la cual participaron 21 artistas de 10 nacionalidades diferentes.

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