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El Prado como patria: 200 años de su fundación

“Cuando desde lejos se piensa en el Prado, éste no se presenta nunca como un museo, sino como una especie de patria” escribía Ramón Gaya en el exilio desde México en 1953, una patria que ha cambiado en los últimos 200 años, desde el momento en que María Isabel de Braganza, la joven reina consorte española, decidió exhibir al público las piezas que había encontrado en El Escorial. En su retrato por Bernardo López Piquer, 10 años después de su fallecimiento, sostiene los planos y apunta hacia su nueva patria. En la exposición “Museo del Prado 1819-2019: Un lugar de memoria” es una revisión de un organismo vivo, que se enriquece constantemente y que es un lugar de diálogo. Bajo la curaduría de Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española (hasta 1700) en el Museo del Prado, la exposición no es sólo un lugar sino es un viaje a la nostalgia de su creación como Museo Real a una Historia Compartida, más allá de las fronteras si pensamos en sus 402 mil suscriptores en Instagram que tienen la oportunidad de verlo todos los días entre semana por 10 minutos y aprender de sus piezas.

En 8 salas temáticas, la exposición explora los cambios a partir de la historia cronológica del museo y de España, inevitable compartir esas fechas, que en algunos casos podrían ser totalmente caóticas, para Gaya el Prado era: “un manicomio al revés, como un manicomio de la cordura, de la realidad, de certidumbre” donde los visitantes al inicio podrían entrar un día a la semana, incluso en alpargatas o asombrarse de las reproducciones que se enviaron durante las misiones pedagógicas con el “Museo Circulante” a principios de la década de los treinta del siglo XX. Tal y como nos los muestra la película “La hora de los valientes” (1998) de Antonio Mercero, que cuenta la historia de un joven que cuida un cuadro de Goya, del Prado, durante la Guerra Civil Española, una defensa de una memoria histórica.

El Museo del Prado es una institución que nació a partir del gusto de la Corona Española, con cerca de 300 pinturas pronto se dieron cuenta que era una embajada de la pintura española y que se tendrían que llenar las ausencia de artistas como Zurbarán. Con los años se convirtió en una meca indiscutible para los artistas, incluso el pintor inglés Charles Ricketts mencionaría en su libro “The Prado and its Masterpieces” (1903) que es un museo para los artistas, con la visita de Edouard Manet, Pierre-Auguste Renoir, Mariano Fortuny, Joaquín Sorolla, John Singer Sargent, o Charles Durant, cuyo mantra era “Velázquez, Velázquez, Velázquez. Estudia a Velázquez”, todavía hoy en día Thomas Struth, Cao Guo-Qiang se inspiran de la arquitectura, de las piezas, de los ambientes que Gaya describía como “un lugar hermético, secreto, conventual, en donde lo español va metiéndose en clausura, espesándose, encastillándose”. Después de ver las pinceladas de Velázquez, de Goya, de Ribera, de Murillo, de Berruguete y de Zurbarán; sería imposible volver a pintar-mirar igual.

Sus colecciones se han formado con el tiempo e incluso piezas que consideramos hoy en día indispensables de la colección, en realidad, llegaron por otras circunstancias. Es el caso de El Greco, que primero llegó con la desamortización del siglo XIX que dio inicio al Museo de Trinidad y que con su desaparición llegarían al Museo del Prado piezas como “La Resurrección de Cristo” (1597-1600) o la llegada de “San Andrés y San Francisco” (Hacia 1595) después del exilio y éxodo en 1939 en Ginebra, gracias a las entradas y ventas del catálogo que permitieron comprarla. O algunas piezas de Goya que fueron gracias a donaciones como “La Familia Osuna” (1787-1788) o las pinturas negras después de haber sido trasladadas de las paredes de su casa a lienzos y que llegaron en 1881, o la más reciente “La condes de Chinchón” (1800) que se exhibe desde el 2000.

España se convertiría en uno de los primeros países de ser consientes que el patrimonio artístico, más allá de sus dueños, son un bien nacional. Incluso antes de que se abriera el Prado, el rey Carlos III en 1779 establecía que se le tenía que hacer de su conocimiento la venta de “Murillo y otros pintores”, el derecho de tanteo y retracto antes, para darle la posibilidad de adquirirlo para que permaneciera en España. Para Manuel Azaña en enero de 1939 mencionaba “El Museo del Prado es más importante que la República y la Monarquía juntos” después de una ley de patrimonio de 1933, que sobrevivió al franquismo, en efecto el Museo del Prado sobrevivió su etapa más dolorosa solo con una pieza maltratada durante un bombardeo. Incluso, en la última sala se exhibe la “Ley del Patrimonio Histórico Español y Real Decreto de desarrollo parcial de la Ley” de 1985 en el que se establece la imposibilidad de exportar ciertas piezas de importancia para la historia del arte de España.

El año de 1898 traería grandes cambios y albricias al Museo, desde la celebración de los 300 años de Velázquez con una sala propia y sus 40 cuadros, después de una serie de estudios científicos de los 65 que se le atribuían; una revisión de El Greco en palabras del primer catedrático de historia del arte español Manuel Bartolomé Cossío o la fundación del Patronato del Museo, con la finalidad de ampliar arquitectónicamente sus instalaciones, intensificar la relación con la sociedad y generar historia del arte, que hoy en día continúan siendo sus objetivos.

La pintura que se presenta en el Prado es carne viva, es un organismo que ha cambiado constantemente en los últimos 200 años, en efecto, después de conocerla, el Prado se convierte en una patria más allá de nacionalismos, tal como cierra Gaya “Desde fuera y lejos de España, cuando “alguien que lo conoce” piensa en el Prado, éste no se le presenta nunca como un museo, sino como una roca”.

Ximena Apisdorf Soto

Ximena Apisdorf Soto

Maestra en Arte, con especialidad en Art Business por la Universidad de Manchester y egresada de la Licenciatura en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Se enfoca en la creación de mejores relaciones para el intercambio de instituciones nacionales e internacionales. Actualmente, trabaja para el Barroco Museo Internacional, el cual será inaugurado en 2016 en Puebla y como consultora de relaciones internacionales con las asociaciones como la Asociación de Directores de Museos de Arte (AAMD por sus siglas en inglés) y Bizot para el Museo del Palacio de Bellas Artes. En 2014 fue coordinadora operativa de la 2da. Bienal de Arte Veracruz, para la creación y difusión de artistas del estado. Desde el 2011 se ha especializado en arte contemporáneo latinoamericano y su difusión en las plataformas digitales como fundadora y editora del blog Tildee.info. Escribe para las publicaciones especializadas: Flash Art, Revista Código, Artishock, entre otras. Ha trabajado en instituciones públicas y privadas, enfocada en la coordinación estratégica, operativa y de comunicación; tanto en México como en Estados Unidos; entre los que destacan: el Museo Nacional de Arte, el Museo Tamayo, Proyectos Monclova, I-20, Casey Kaplan Gallery, Prospect 2.5. Ha impartido clases para la Suprema Corte de la Nación (2007) y el Instituto Realia (2014). En el 2008 curó y coordinó la primera exposición de arte contemporáneo en el Museo Diego Rivera Anahuacalli: “Elefante Negro: Arte Contemporáneo”, en la cual participaron 21 artistas de 10 nacionalidades diferentes.

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