“El niño quiere arrastrar algo y se convierte en caballo, quiere jugar con arena y se hace panadero, quiere esconderse y es ladrón o gendarme”

Walter Benjamin, “The Cultural History of Toys”

Para Darío

Hace casi 120 años la llegada de un tren a la estación daba la sensación de que atravesaría la pantalla y se instalaría junto a los asistentes (L’arrivée d’un train à La Ciotat (1895). La gente caminaba al lado sin sospechar que en una toma fija de menos de un minuto pasarían a ser parte de la historia. Así, una toma que de entrada pudiera parecer inocente en realidad buscaba un efecto más allá, los hermanos Lumiere sospechaban lo que estaban proyectando. Esa inocencia podría ser la característica más singular de la obra de Francis Alÿs (Bélgica, 1956) y la que le ha permitido andar por territorios inesperados: desde las Diez cuadras alrededor del estudio (2006) en el Centro de la Ciudad de México hasta propiciar el paseo de un zorro por las galerías de arte en su pieza de 2004 The Nightwatch, tratar de atrapar Tornados (2000-2010), mover montañas (2002), caminar sobre el agua (2008); o simplemente atrapando lo que encuentra a su paso, en ocasiones con la ayuda de sus zapatos (1994) en otras con un pequeño Collector (1996-2006).

Alÿs ha sabido atrapar esos momentos desde el documento de inspiración, el testimonio de la acción, el objeto que lo acompaño, pero sobre todo los sentimientos que despertó, la curiosidad que generó y la sensación que prevaleció. Con esa sensación la pregunta que se plantea Michael Taussig, en el catálogo de la exposición: “¿resulta tan asombroso que nuestro arquitecto-artista de Europa Occidental quien eligió vivir en la Ciudad de México sea sensible a esta “nueva belleza que hay en lo que se desvanece”?” y que se responde en su reciente exposición: Relato de una negociación en el Museo Tamayo.

Justo como la cita de arriba, los niños son capaces de construir todos los mundos posibles: crear puentes con tenedores, pelear por saleros imaginarios, o divertirse con los objetos más sencillos y dibujar una sonrisa en sus rostros. Para su proyecto de dOCUMENTA 13 (2012) Alÿs visitó Kabul, caminó sus calles y vio a los niños jugando con una varita y una llanta tratando de mantener el equilibrio el mayor tiempo posible en un terreno arenoso y con fondo todas las acciones políticas de estar ahí. Podría decir que su práctica artística esta definida por una poética de la acción más sencilla, que tiene implicaciones políticas y la presenta en un forma pictórica, la aplicación de color en un soporte, a veces en una hoja de papel, en un lienzo, o en forma de pixeles y luces.

Así REEL-UNREEL (2011) se presenta como un juego infantil de dos niños afganos en las calles de Kabul, mientras uno desenrolla un riel con película, el otro corre detrás de él va enrollándolo de regreso, y mientras la atención se centra en la película, que se ensucia, se raspa y finalmente se quema, lo interesante es “vida cotidiana” alrededor, lo que se decidió: “Mostrar (eso) en vez de lo otro es una decisión personal”, es un montaje del trabajo de 5 días. Mostrar el asombro de los niños alrededor, los carros pasando, el polvo que se levanta, la actitud de las niñas, la forma de las calles. El significado de la película y su eventual rompimiento por fuego tiene que ver con la quema del Archivo Fílmico afgano por parte del gobierno talibán, así como lo que se graba en esas películas con relación a los medios, que se cierra con la serie de pinturas inspiradas en las barras de colores de las televisiones de antes (2010-2014).

Las preguntas quedan abiertas a múltiples respuestas, Alÿs cierra su ensayo sobre Afganistán en ¿Cómo podemos continuar?, un poco a la usanza de las películas de acción hollywoodenses ¿acaso se quedó abierto para una segunda parte?, después de leer su catálogo no creo que sea por entregas sino paralelas que se abren y se entrelazan para crear un entramado tan bien cuidado, que incluso el aire tiene su propio espacio en la exposición, así que si caminan por Polanco y se encuentran una línea rosa y azul, síganla.

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Sobre el autor

Ximena Apisdorf Soto

Ximena Apisdorf Soto

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Maestra en Arte, con especialidad en Art Business por la Universidad de Manchester y egresada de la Licenciatura en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Se enfoca en la creación de mejores relaciones para el intercambio de instituciones nacionales e internacionales. Actualmente, trabaja para el Barroco Museo Internacional, el cual será inaugurado en 2016 en Puebla y como consultora de relaciones internacionales con las asociaciones como la Asociación de Directores de Museos de Arte (AAMD por sus siglas en inglés) y Bizot para el Museo del Palacio de Bellas Artes. En 2014 fue coordinadora operativa de la 2da. Bienal de Arte Veracruz, para la creación y difusión de artistas del estado. Desde el 2011 se ha especializado en arte contemporáneo latinoamericano y su difusión en las plataformas digitales como fundadora y editora del blog Tildee.info. Escribe para las publicaciones especializadas: Flash Art, Revista Código, Artishock, entre otras. Ha trabajado en instituciones públicas y privadas, enfocada en la coordinación estratégica, operativa y de comunicación; tanto en México como en Estados Unidos; entre los que destacan: el Museo Nacional de Arte, el Museo Tamayo, Proyectos Monclova, I-20, Casey Kaplan Gallery, Prospect 2.5. Ha impartido clases para la Suprema Corte de la Nación (2007) y el Instituto Realia (2014). En el 2008 curó y coordinó la primera exposición de arte contemporáneo en el Museo Diego Rivera Anahuacalli: “Elefante Negro: Arte Contemporáneo”, en la cual participaron 21 artistas de 10 nacionalidades diferentes.

Una Respuesta

  1. Rebecca Soto Bustamante

    Entre la exposición del artista, hasta esta reseña, la experiencia completa es una delicia. Tener conciencia de que el arte contemporáneo puede se difícil de asimilar, pero que con este tipo de artículos todo cobra sentido, merece seguir todas las líneas rosas y azules (así parezcan grafiteadas en las calles). Gracias Ximena.

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