Hace unas semanas vi en las redes sociales el anuncio de una exposición del artista Egon Schiele (1890-1918) con sus pinturas censuradas por medio de mosaicos con la información. A 100 años de su fallecimiento, sus formas contorsionadas y desnudos frontales continúan creando controversia. Así, en el metro de Londres, los camiones de Colonia y las fachadas de Hamburgo se acompañaba la leyenda “Sorry 100 years old but still daring today #ToArtItsFreedom” es la campaña publicitaria que ha escogido la ciudad de Viena para festejar al modernismo.  Mientras que en Viena es totalmente normal mostrar las figuras de Schiele, en estas ciudades tuvieron que trabajar con la “mejor” manera de no alterar la moral de las ciudades.

1918, no sólo es la muerte de Schiele, sino también de su maestro Gustav Klimt y el termino del Imperio Austro-Húngaro. De acuerdo a Helena Hartlauer, vocera del departamento de Turismo de Viena, que han planeado una serie de exposiciones y actividades dedicadas a la apertura de la ciudad: “Queremos enseñarle a la gente que abierta era Viena para su época y como fueron realmente sus protagonistas; así como alentar a la audiencia a analizar cuánto ha cambiado, o no ha cambiado, en términos de apertura y actitudes en la sociedad a lo largo del tiempo”.

En 1897, 19 artistas vieneses decidieron separarse de la Asociación de Artistas Austríacos, para formar la “Secesión vienesa”. Su primer presidente fue Klimt, en la que buscaban un arte despojado de velos, un arte propio, que sirviera de inspiración y análisis, más si consideramos que Viena es la capital del psicoanálisis. Su lema era: “A cada tiempo su arte, y a cada arte su libertad”, la misma frase que se ocupa el hashtag. A partir de su página web (wienermoderne2018.info) propone una “Secesión digital”, invitan a la inmersión de la experiencia, por medio de exposiciones, libros, visitas, juegos de sonidos, figuras que se moldean de acuerdo a los bustos de los protagonistas, preguntas, #ViennaNow y otras actividades, totalmente recomendable.

Los cuatro protagonistas elegidos fallecieron el mismo año: los pintores Gustav Klimt y Egon Schiele; el arquitecto Otto Wagner (1841-1918) y el diseñador gráfico Koloman Moser (1868-1918).

La imagen principal es la de Schiele, un artista compulsivo, si consideramos que sólo vivió 28 años y realizó más de 350 pinturas y 2800 dibujos y acuarelas. Curiosamente, inspirada en la pieza “La muerte y la doncella” (195-16), en el 2016, se estrenó su biopic. Sus imágenes parecen que las vemos desde arriba, en muchas ocasiones como si los personajes estuvieran acostados; desnudos, liberados o revelados se convierten en la expresión de las emociones reprimidas que la sociedad vienesa censuró, el “enfant terrible de todas las escuelas”. En su obra conviven el erotismo y la muerte, ocupó la nueva tecnología de los rayos x para ver el comportamiento de los cuerpos, parecieran que están en el borde, entre lo conocido y sano, y lo otro. Incluso, el otro como sí mismo, una de las piezas más perturbadoras es “Desnudo amarillo” (1910), en donde se ve el cuerpo en una postura contorsionada, como flotando en el espacio y con los pies claramente amputados, cubriéndose la cara, su torso es alargado y delgado, es un reflejo contrastado de la gran pieza de Klimt el “Retrato de Adele Bloch Bauer” (1907), que por años fue considerada la “Monalisa del Belvedere”, recuerdan la película “La dama de oro” está en Netflix.

Una de las colecciones más importantes es del oftalmólogo Rudolf Leopold (1925-2010) quien fuera uno de los coleccionistas más importantes de Schiele, con más de 40 pinturas y 190 dibujos. El primer cuadro que adquirió fue “La ciudad muerta III” en 1950 y serán exhibidas en la exposición de aniversario o en la de “Expresión y Lírica”, o en conversación con los artistas Gunter Brus (1938) y Thomas Palme (1967).

La página web invita a un enamoramiento de una época, tal y como Ronald Lauder se enamoró a los 14 años de Adele Bloch, o del Premio Nobel de Medicina Eric Kandel de la ciudad de Viena y le haya dedicado un libro: “La era del inconsciente” a la investigación del inconsciente en el arte, el espíritu y el cerebro desde la Era Moderna Vienesa hasta el presente”, “querer algo de verdad proporciona un sentimiento placentero”. El mensaje más importante para él, tal y como el patólogo Carl Von Rokitansky, quién realizó las primeras investigaciones sistemáticas de lo que hay debajo de la piel, aprender lo que hay debajo de las superficie y estudiar las cosas de forma concienzuda, es por eso que la integración de la historia de las mujeres como: Alma Mahler -hasta hay una película dedicada a su vida con Gustav Mahler y como amante de Walter Gropius-  o la fotógrafa Trude Fleischmann, y la escena gay de la Viena de inicios de siglo XX. Por lo que 2018 es un gran año para aprender más sobre el Modernismo vienés y a lo mejor hasta visitar esta ciudad.

Sobre el autor

Ximena Apisdorf Soto

Ximena Apisdorf Soto

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Maestra en Arte, con especialidad en Art Business por la Universidad de Manchester y egresada de la Licenciatura en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Se enfoca en la creación de mejores relaciones para el intercambio de instituciones nacionales e internacionales. Actualmente, trabaja para el Barroco Museo Internacional, el cual será inaugurado en 2016 en Puebla y como consultora de relaciones internacionales con las asociaciones como la Asociación de Directores de Museos de Arte (AAMD por sus siglas en inglés) y Bizot para el Museo del Palacio de Bellas Artes. En 2014 fue coordinadora operativa de la 2da. Bienal de Arte Veracruz, para la creación y difusión de artistas del estado. Desde el 2011 se ha especializado en arte contemporáneo latinoamericano y su difusión en las plataformas digitales como fundadora y editora del blog Tildee.info. Escribe para las publicaciones especializadas: Flash Art, Revista Código, Artishock, entre otras. Ha trabajado en instituciones públicas y privadas, enfocada en la coordinación estratégica, operativa y de comunicación; tanto en México como en Estados Unidos; entre los que destacan: el Museo Nacional de Arte, el Museo Tamayo, Proyectos Monclova, I-20, Casey Kaplan Gallery, Prospect 2.5. Ha impartido clases para la Suprema Corte de la Nación (2007) y el Instituto Realia (2014). En el 2008 curó y coordinó la primera exposición de arte contemporáneo en el Museo Diego Rivera Anahuacalli: “Elefante Negro: Arte Contemporáneo”, en la cual participaron 21 artistas de 10 nacionalidades diferentes.

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